🇪🇸 SPOTLIGHT | Interview w/ Hanz Ruiz
- Katherine Woodberry
- Jul 21
- 9 min read
Desdibujando las líneas entre el indie rock, el pop alternativo y las texturas electrónicas, Hanz Ruiz es un artista cuya música se siente tanto profundamente personal como emocionalmente expansiva. Con un sonido moldeado por la nostalgia, la cultura del skate y una introspección cruda, sus canciones hablan de la vulnerabilidad, el crecimiento y esos momentos silenciosos que dejan ecos duraderos. En esta entrevista SPOTLIGHT, Hanz Ruiz reflexiona sobre la creación de su EP “Marengo”, el proceso creativo detrás de su próximo álbum debut y cómo mantenerse emocionalmente honesto, tanto en lo musical como en lo visual, sigue guiando su camino artístico en evolución.
¿Cómo describirías tu sonido a alguien que nunca ha escuchado tu música?
Diría que es una mezcla de rock alternativo, indie y algo de electrónica pop. Me gusta pensar que tiene sensibilidad y alma, con letras que salen del pecho y buscan, de verdad, tocar algo en quien las escucha.
¿Qué te inspiró a empezar a hacer música y cómo ha evolucionado esa inspiración con el tiempo?
Empecé por pura emoción, tocando canciones de bandas como Oasis o Green Day con amigos del cole. A medida que fui creciendo, la música pasó a ser más íntima, más mía. Ahora escribo como quien escribe un diario, sin filtros.
Tu nuevo EP “Marengo” y tu último single “Frío” muestran una atmósfera muy particular. ¿Cómo desarrollaste esa sensación en tu música?
Trabajé con amigos de confianza, como Joel Llauradó, en un entorno muy libre y sincero. No buscábamos sonar a nada concreto, solo capturar lo que sentíamos."Frío" huele a adolescencia, a invierno emocional, a tardes de skate sin dirección. Queríamos que sonara a eso, objetivo completado.
Los temas de la nostalgia y la cultura juvenil, especialmente el skateboarding, aparecen en tus canciones. ¿Cómo influyen estos elementos en tu proceso de composición?
Forma parte de mi identidad emocional. El skate no es postureo ni cliché: es libertad, es caerse y levantarse, no tener miedo de sentir. Escribir desde ahí me conecta con lo más puro de mí.
¿Puedes contarnos sobre el proceso creativo detrás de “Marengo”?
Ese EP fue muy orgánico. Tenía varias letras que había escrito por necesidad, así que se las enseñé a Ignasi Mir y a Joel Llauradó, dos amigos y músicos increíbles. Grabamos en El Tercero Estudio, con Carlos Avatar, y se sumaron músicos como Lluís Borrell y Mario Coloma."No te falta nada" fue un punto clave: esa canción nos hizo soñar con un disco entero.
Ahora que estás trabajando en tu primer álbum completo. ¿Cómo está siendo ese proceso en comparación con tus lanzamientos anteriores?
Ahora todo es más profundo. Es un álbum con memoria. Escribirlo me está ayudando a reconciliarme con partes de mí que tenía olvidadas. Es una especie de homenaje íntimo al niño que fui y al artista que me gustaría seguir siendo.
¿Cómo estás abordando los temas y el sonido para tu álbum debut?
Desde la emoción. Hablo de lo que me duele, de lo que me sana, de lo que me hace dudar. Sonoramente, mezclo la crudeza del rock que me marcó con detalles actuales o modernos. Busco un equilibrio emocional más que estilístico.
Tu música combina indie pop con elementos sutiles de electrónica. ¿Cómo experimentas con géneros y sonidos?
Soy curioso y siempre me ha encantado mezclar. No pienso en géneros, pienso en sensaciones, y eso me da la libertad de experimentar.
¿Cómo logras equilibrar mantener tu voz artística auténtica mientras evolucionas como artista?
Creo que la autenticidad no es sonar igual siempre, sino ser fiel a lo que necesitas expresar. Mi música cambia porque yo cambio. No me interesa mantener una imagen, me interesa ser honesto.
¿Qué importancia tiene el storytelling visual para tu música?
Por supuesto, la narrativa visual es crucial para complementar y enriquecer la experiencia musical. Es otra forma de contar lo que no cabe en las canciones. Siempre lo he considerado muy importante. Trabajo con personas que quiero, como mi hermana Alba Ruiz (publicista), Max Gener (director creativo y diseñador) y Xenia Soler (estilista y directora de arte). Con este equipo creativo construimos imágenes que nacen de emociones, no de estrategias.
¿Qué grado de implicación tienes en la dirección creativa de tus videoclips y visuales?
Total. Estoy en cada paso porque me implico emocionalmente. Cada canción me importa demasiado como para delegar su universo visual sin estar presente.
¿Cómo eliges la estética visual que acompaña a tu música?
Surge de muchas conversaciones, de recuerdos, de referencias compartidas. Pero sobre todo de la emoción que deja cada canción.
¿Hay artistas o productores que hayan influido en tu sonido?
Sí, claro. Hay muchísimos. Destaco a Alizzz por su capacidad de mezclar sensibilidad con riesgo. Y también discos como “American Idiot” de Green Day, que me marcaron para siempre.
¿Hay fotógrafos o videógrafos nacionales cuyo trabajo admires?
Xavi Souto dirigió el vídeo de “Canciones” y Sergi Orovio fotografió "Marengo". Admiro su mirada y me siento afortunado de haber coincidido con ellos.
Tus canciones transmiten una vibra melancólica pero soñadora. ¿Qué emociones o experiencias buscas comunicar?
Me gusta esa mezcla porque siento que me define. Soy una persona frágil, sensible, y lo abrazo. La música es un refugio donde puedo permitirme sentirlo todo sin miedo. Hablo de lo que me rompe y de lo que me repara.
¿Sientes que tu música está más influenciada por escenas locales o globales?
Por ambas. Lo local me arraiga, lo global me abre. Me inspiro mucho en los 2000, pero también me emociona ver lo que están haciendo artistas de aquí con tanta personalidad.
¿Cómo afrontas el reto de construir tu audiencia como artista emergente?
Con cariño y mucha paciencia. No tengo prisa. Me autofinancio, compagino esto con mi trabajo, y lo hago con todo el amor del mundo.
¿Qué papel juegan Spotify e Instagram para ti?
Son necesarios, claro. Pero me preocupa que lo emocional se mida en likes. Me gustaría que valorásemos más lo que una canción nos hace sentir que lo que logra en números.
¿Cómo ves la evolución de la escena musical española en los próximos cinco años?
Deseo que crezca en diversidad y en verdad. Que haya espacio para propuestas distintas, con alma. Que no todo dependa del algoritmo ni del marketing. Hay artistas increíbles que merecen ser escuchados.
Mirando hacia el futuro, ¿cuáles son tus principales objetivos para tu carrera musical a corto plazo?
Terminar el disco, lanzarlo con cariño, y poder presentarlo en directo en 2026. Y a largo plazo, que todo esto tenga sentido. Poder vivir de la música sería un sueño, pero ya es mucho poder hacerla.
PREGUNTAS RÁPIDAS
Venue favorito | Sala Apolo (Barcelona) |
Festival español favorito | Vida Festival, Primavera Sound |
Ciudad favorita fuera de casa | Madrid |
Artista infravalorado | Carlos Ares |
Artista soñado para telonear | Green Day |
Público inolvidable | Barcelona |
Fotógrafo favorito | Sergi Orovio |
Venue más fotogénico | Vida Festival |
Sitio para cenar tras el show | La Strada Pizza (Barcelona) |
LISTA DE REPRODUCCIÓN
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ENGLISH VERSION
Blurring the lines between indie rock, alternative pop, and electronic textures, Hanz Ruiz is an artist whose music feels both deeply personal and emotionally expansive. With a sound shaped by nostalgia, skate culture, and raw introspection, his songs speak to vulnerability, growth, and the quiet moments that leave lasting echoes. In this SPOTLIGHT interview, Hanz Ruiz reflects on the making of his EP "Marengo", the creative process behind his upcoming debut album, and how staying emotionally honest - both musically and visually - continues to guide his evolving artistic path.
How would you describe your sound to someone who’s never heard your music?
I’d say it’s a mix of alternative rock, indie, and some pop-electronica. I like to think it has sensitivity and soul, with lyrics that come straight from the chest and truly aim to touch something in the listener.
What inspired you to start making music, and how has that inspiration evolved over time?
I started out of pure excitement, playing songs by bands like Oasis or Green Day with school friends. As I grew older, music became more intimate—more my own. Now I write like someone keeping a journal, unfiltered.
Your new EP Marengo and your latest single Frío showcase a very particular atmosphere. How did you develop that feeling in your music?
I worked with trusted friends like Joel Llauradó in a very open and honest environment. We weren’t trying to sound like anything specific—just capture what we felt. Frío smells like adolescence, emotional winter, aimless skateboarding afternoons. That’s what we wanted it to sound like—mission accomplished.
Themes of nostalgia and youth culture, especially skateboarding, appear in your songs. How do these elements influence your songwriting process?
They’re part of my emotional identity. Skateboarding isn’t about posing or clichés—it’s freedom, falling and getting back up, not being afraid to feel. Writing from that place connects me to the purest part of myself.
Can you tell us about the creative process behind Marengo?
That EP was very organic. I had a bunch of lyrics I’d written out of necessity, so I showed them to Ignasi Mir and Joel Llauradó—two amazing friends and musicians. We recorded at El Tercero Estudio with Carlos Avatar, and musicians like Lluís Borrell and Mario Coloma joined in. No te falta nada was a key moment—that song made us dream of a full record.
Now that you’re working on your first full-length album, how does this process compare to your previous releases?
Everything feels deeper now. It’s an album with memory. Writing it is helping me reconnect with parts of myself I had forgotten. It’s kind of an intimate tribute to the child I was and the artist I want to keep becoming.
How are you approaching the themes and sound of your debut album?
From emotion. I talk about what hurts me, what heals me, what makes me question things. Sonically, I blend the rawness of the rock that shaped me with modern details. I’m looking for emotional balance rather than a specific style.
Your music blends indie pop with subtle electronic elements. How do you experiment with genres and sounds?
I’m curious, and I’ve always loved mixing things. I don’t think in genres—I think in feelings. That gives me the freedom to experiment.
How do you manage to stay true to your artistic voice while evolving as an artist?
I believe authenticity isn’t about always sounding the same—it’s about staying true to what you need to express. My music changes because I change. I’m not interested in maintaining an image—I’m interested in being honest.
How important is visual storytelling to your music?
Extremely. Visual storytelling is essential to complement and enrich the musical experience. It’s another way of expressing what doesn’t fit into songs. I’ve always considered it very important. I work with people I love, like my sister Alba Ruiz (publicist), Max Gener (creative director and designer), and Xenia Soler (stylist and art director). Together we create visuals that are born from emotions, not strategies.
How involved are you in the creative direction of your videos and visuals?
Completely. I’m part of every step because I’m emotionally invested. Each song matters too much to me to hand over its visual world without being involved.
How do you choose the visual aesthetic that goes along with your music?
It comes from many conversations, memories, shared references—but above all, from the emotion each song leaves behind.
Are there any artists or producers who have influenced your sound?
Yes, definitely. Many. I’d highlight Alizzz for his ability to mix sensitivity with risk. And albums like American Idiot by Green Day, which marked me forever.
Are there any national photographers or videographers whose work you admire?
Xavi Souto directed the Canciones video and Sergi Orovio shot Marengo. I admire their eye and feel lucky to have crossed paths with them.
Your songs have a melancholic but dreamy vibe. What emotions or experiences are you trying to communicate?
I like that mix because I feel it defines me. I’m a fragile, sensitive person—and I embrace that. Music is a refuge where I can allow myself to feel everything without fear. I talk about what breaks me and what heals me.
Do you feel your music is more influenced by local or global scenes?
Both. The local grounds me, the global opens me up. I draw a lot of inspiration from the 2000s, but I’m also excited by what local artists are doing with so much personality.
How do you tackle the challenge of building your audience as an emerging artist?
With care and a lot of patience. I’m not in a rush. I self-fund everything, balance it with my job, and do it all with love.
What role do Spotify and Instagram play for you?
They’re essential, of course. But I’m concerned about emotions being measured in likes. I wish we valued more what a song makes us feel rather than how it performs in numbers.
How do you see the Spanish music scene evolving in the next five years?
I hope it grows in diversity and authenticity. That there’s space for different, soulful proposals. That not everything depends on algorithms and marketing. There are incredible artists who deserve to be heard.
Looking ahead, what are your main short-term goals for your music career?
To finish the album, release it with care, and perform it live in 2026. And long-term? That all of this makes sense. Being able to live off music would be a dream—but just being able to make it already means a lot.
QUICK QUESTIONS
Favorite venue | Sala Apolo (Barcelona) |
Favorite Spanish festival | Vida Festival, Primavera Sound |
Favorite city outside of home | Madrid |
Underrated artist | Carlos Ares |
Dream support act | Green Day |
Unforgettable audience | Barcelona |
Favorite photographer | Sergi Orovio |
Most photogenic venue | Vida Festival |
Go-to post-show dinner spot | La Strada Pizza (Barcelona) |