🇪🇸 SPOTLIGHT | Interview w/ Dave Blanco

SHOWGRAPHERS
Jun 16
18 min read

(click here for the English version)

En la segunda entrega de nuestra serie Spotlight, que pone el foco en los artistas que están dando forma a la escena musical española, dirigimos la mirada hacia quien está detrás de la cámara: Dave Blanco. Un autodenominado introvertido con formación en arquitectura y un profundo amor por la música en vivo, Dave ha construido poco a poco una obra visual impactante, capturando el pulso de las escenas independientes y underground de España. Sus imágenes no hablan solo de sonido, sino también de espacio, energía y emoción, a menudo extraídas de la cruda intimidad de las salas pequeñas y de la eléctrica imprevisibilidad de los directos. Desde sus primeras incursiones en solitario en conciertos hasta convertirse en colaborador habitual de Bilbao Indie Music, el recorrido de Dave es una historia de persistencia silenciosa y evolución creativa. En esta conversación sincera, nos habla de las tensiones entre la visión personal y las expectativas externas, de la infravaloración de la fotografía musical en España, y de la alegría de capturar la magia fugaz en un solo disparo. ¡Vamos allá!.

¡Hola Dave! ¿Podrías contarnos un poco sobre ti y cómo comenzaste en la fotografía musical?

Hola, soy David, una persona bastante discreta e introspectiva, con una pasión constante por la música. Quizás por eso comencé a asistir a conciertos, muchas veces en solitario, ya que en mi entorno no había demasiadas personas interesadas en la música en vivo, salvo en grandes eventos. Empecé a llevar una cámara como una forma de canalizar esa sensación de vulnerabilidad que a veces me generaba estar solo en un entorno social tan activo. Hoy en día, he dejado atrás esa incomodidad y disfruto de muchos conciertos sin cámara, simplemente como espectador, entregado a la experiencia musical.

¿Hubo algún momento, artista o evento específico que despertó tu interés por fotografiar música?

No podría señalar un instante exacto. Más bien ha sido un proceso gradual. Siempre me ha fascinado la escenografía de los conciertos: las luces, la disposición de los músicos, los detalles del atrezzo… Como mi memoria nunca ha sido muy buena, la cámara se convirtió en una herramienta para preservar lo vivido con mayor fidelidad que el recuerdo.

Tu trabajo abarca desde la música en vivo hasta la arquitectura y los interiores —¿cómo haces la transición entre estilos y temáticas tan diferentes?

Curiosamente, la fotografía de arquitectura llegó primero. Mi formación como arquitecto despertó en mí el interés por la imagen. A medida que fui adquiriendo un equipo más profesional, este fue evolucionando hasta adaptarse a las exigencias de los conciertos. Son disciplinas casi opuestas: en arquitectura, el fotógrafo se mueve alrededor de un sujeto inmóvil y bajo una luz constante. En cambio, en los conciertos, el movimiento y la variabilidad lumínica son constantes y desafiantes.

¿Cómo definirías tu estilo visual actualmente y de qué manera ha evolucionado o madurado a lo largo de los años?

Es una pregunta que me hago con frecuencia y aún no tengo una respuesta clara. A veces atravieso crisis creativas y me cuesta encontrar una dirección definida. Echo de menos esa etapa inicial, en la que me sentía más libre y menos influenciado por las tendencias o por lo que dictan los algoritmos en redes sociales. Siento que a menudo estoy dividido entre lo que deseo expresar y lo que el público espera de mí.

¿Hay alguna foto en tu portafolio que tenga un significado especial para ti? ¿Cuál es la historia detrás de ella?

Sí, hay una imagen que guardo con especial cariño. No es una fotografía espectacular ni corresponde a una gran banda internacional o recinto. Es una imagen vertical, en blanco y negro, tomada con una cámara bastante modesta en mis inicios. La banda era Cordura y el lugar, el sótano de la pizzería Xurrut de Gorliz, que creo que ya ha cerrado. Anero, el vocalista, es un intérprete con una expresividad única y un regalo visual para cualquier fotógrafo. En la imagen aparece de espaldas, recortado desde la cintura, agarrando el micrófono con el cable enrollado varias veces en la mano. El bombo de la batería se apoyaba en un bloque de hormigón para evitar que se deslizara. Es una fotografía que, sin necesidad de artificios, condensa muy bien el espíritu del underground: crudo, auténtico y honesto.

¿Has tenido algún momento disparando en el que todo simplemente “encajó” — la luz, el artista, la energía? Cuéntanos.

Sí, lo viví con Dinero, en la sala Stage Live, que personalmente no me resulta muy fotogénica. Fue una fotografía completamente fortuita, pero al instante supe que tenía algo especial. Sean, el vocalista, se colocó al borde del escenario animando al público, y disparé desde un lateral del foso. Justo en ese instante, otro compañero disparó su flash, iluminando de forma directa el rostro de Sean. La imagen resultante muestra al cantante gritando hacia una fuente de luz que parece surgir de la nada. Cuando la revisé en pantalla, me costó creer que fuera real.

Has fotografiado a varios artistas — ¿hay algún concierto que te haya sorprendido o desafiado especialmente?

Sí, uno que recuerdo con nitidez fue el de Celeste en el festival Inkestas Rock de Sopela, en una carpa montada en la plaza del pueblo. La banda apareció entre tinieblas, iluminada únicamente por unos frontales de luz roja en la frente, como si fueran alpinistas o mineros. Al principio fue frustrante, pero decidí adaptarme a su juego escénico. Al final, la experiencia me permitió explorar otra narrativa visual y el resultado me dejó satisfecho. Aprendí que, incluso en condiciones adversas, es posible encontrar una solución creativa si uno se deja llevar.

¿Cuál es tu proceso habitual antes de fotografiar un concierto? ¿Vas con un plan o disparas de manera más instintiva?

Depende mucho del contexto. Si no conozco a la banda, suelo investigar su puesta en escena a través de Instagram o YouTube: cómo se mueven, cómo se iluminan, qué tipo de energía transmiten. También me preparo más a fondo si sé que el concierto será complejo o si estoy acreditado por la propia banda, ya que hay más responsabilidad. En esos casos, reviso setlists, gestos característicos, estudio la sala… Pero si voy por iniciativa personal, me dejo llevar, improviso, y disfruto del directo sin presión.

¿Cómo empezó tu colaboración con Bilbao Indie Music y qué implica tu rol allí normalmente?

Fue en una etapa temprana, cuando buscaba colaborar con algún medio que me permitiera acceder a más salas y artistas. Encontré una convocatoria suya en redes y nos reunimos en persona. De ese encuentro nació una amistad que sigue vigente y que ha derivado en proyectos conjuntos cada vez más ambiciosos, siempre con la música local y emergente como hilo conductor.

¿Estás trabajando en algún proyecto emocionante ahora mismo o tienes alguna meta cercana?

Sí. Desde hace algo más de un año estoy desarrollando un proyecto que, aunque todavía en fase de gestación, me ilusiona mucho. El objetivo es dar visibilidad a bandas locales de Euskadi, aunque el enfoque no es estrictamente fotográfico, aunque la imagen sí tendrá un papel importante. Es un proyecto multidisciplinar del que prefiero no adelantar demasiado hasta que esté más definido, pero que nace del mismo espíritu con el que empecé: dar apoyo a escenas que merecen más atención.

Desde tu perspectiva, ¿cómo ves el panorama actual de la escena musical en España?

Lo definiría como desequilibrado. Hay una brecha cada vez más marcada: por un lado, bandas nacionales que han dado el salto a estadios y grandes recintos con sorprendente rapidez, y por otro, grupos que siguen luchando cada fin de semana por reunir a cien personas en una sala pequeña. Da la sensación de que el fenómeno festivalero ha invadido la programación durante todo el año, desplazando al circuito intermedio. Antes, los estadios eran el dominio de artistas internacionales que visitaban esporádicamente el país. Ahora, las distancias entre escalas se han acentuado de forma drástica.

¿Qué es lo que más te atrae de la escena musical en vivo en Bilbao? ¿Hay una energía o ambiente particular que la haga especial para ti?

Bilbao tiene el tamaño perfecto para generar una comunidad: no es demasiado grande, lo que permite que, si te mueves dentro de un estilo o frecuentas ciertas salas, que coincidas con rostros conocidos en varios conciertos a lo largo del año. He vivido siempre un ambiente muy sano: respeto mutuo, complicidad, y una convivencia natural entre músicos, fotógrafos y público. Un buen ejemplo es el Antzoki, una sala sin foso ni barreras donde cualquiera podría subir al escenario, pero existe una frontera tácita, respetada por todos. Ese tipo de detalles dice mucho de la escena local.

¿Hay algo único o inesperado sobre fotografiar música en vivo o artistas en España que alguien de fuera no se imaginaría?

Como no he trabajado fuera del país, no tengo una base comparativa real. En mi experiencia, no hay grandes diferencias atribuibles al país en sí. Las particularidades suelen depender más de las bandas, las salas o el equipo técnico que del contexto geográfico. Tal vez lo verdaderamente distintivo sea el tejido humano que se va generando en cada ciudad.

Según tu experiencia, ¿cómo es salir de gira por España desde el punto de vista de un fotógrafo? ¿Algún consejo para quien venga de fuera?

Diría que la clave está en la preparación. Si vas a una sala nueva, conviene investigar previamente: altura del escenario, disposición del foso, tipos de luces, etc. Redes como Instagram o vídeos de conciertos anteriores son muy útiles. Y, tras el concierto, conviene resistirse a la tentación de alargar la noche. Mientras la banda celebra, tú debes pensar en descansar y comenzar la edición cuanto antes. Esa rapidez puede marcar la diferencia para una buena entrega. En realidad, creo que estas pautas son aplicables a cualquier país.

¿Crees que la fotografía musical está lo suficientemente valorada dentro de la industria musical española? ¿Por qué sí o por qué no?

No, sinceramente. Hay excepciones, claro, pero en general, la fotografía sigue siendo infravalorada por parte de muchas bandas. Se recurre con demasiada frecuencia al “te pagamos con visibilidad”, una moneda que de nada sirve. Es curioso que se valore más una mención en redes sociales que el trabajo que hay detrás de una imagen profesional. Falta conciencia del valor que tiene una buena fotografía para comunicar la identidad de un artista.

¿Cuáles han sido algunas de las mayores dificultades que has encontrado como fotógrafo musical en España?

Una de las mayores trabas ha sido el acceso a ciertos espacios o festivales. La decisión de acreditación suele recaer en los responsables de prensa o comunicación, quienes priorizan el alcance del medio por encima de la calidad del contenido —ya sea fotográfico o textual—. Eso genera un techo invisible: si no colaboras con un medio de gran tirada (que muchas veces ya tiene su equipo cerrado), cuesta mucho poder cubrir determinados eventos, por muy especializado o comprometido que seas.

¿Hay algún artista emergente local que te emocione especialmente en este momento?

Sí, hay dos bandas que me tienen especialmente interesado. La primera es Marban, a la que he seguido y fotografiado en varias ocasiones. Me identifico mucho con su propuesta: sus letras, su sonido y las referencias que manejan —desde Arctic Monkeys hasta Héroes del Silencio— me resultan muy cercanas. La segunda es Galerna. Al principio no conecté con ellos, pero con el tiempo les di otra oportunidad y su álbum Viaje a Roma me pareció una especie de novela cantada, con un enfoque narrativo muy interesante. Fue uno de esos casos en los que algo hace clic tras una escucha más atenta.

¿Podrías nombrar algunos fotógrafos musicales españoles cuyo trabajo admires y que recomendarías descubrir?

Por supuesto. Hay varios fotógrafos cuyo trabajo me inspira profundamente. Adrián Morote posee una mirada muy íntima, capaz de captar algo que trasciende lo puramente visual. Javier Sierra (Le Petit Patte) me fascina por la energía y el dinamismo que transmite; sus imágenes parecen latir, llenas de vida y electricidad. Roberto Almendral, especialmente en su trabajo con Bunbury y en blanco y negro, tiene una sensibilidad admirable, casi poética. Aldara Zarraoa (Aldarazn) es polivalencia, efectividad y relato. Sus fotografías ponen el foco en lo esencial, creando atmósferas que sólo ve ella. Y Nerea (Sutxart), más vinculada a escenas underground, es un ejemplo de evolución constante: ha sabido expandir su lenguaje visual para capturar emociones con gran profundidad, incluso en contextos menos convencionales.

Para los nuevos fotógrafos que quieren entrar en el mundo de la música en vivo, ¿cuál es una lección que te habría gustado que te dijeran al empezar?

Que dispare lo necesario, pero no se obsesione. Al principio pecaba de prudente: veía una foto en la pantalla de la cámara y pensaba que ya la tenía, pero luego al revisarla en casa no era lo que esperaba. Luego pasé a lo contrario: disparar muchísimo. Con el tiempo encontré un equilibrio. También le diría que experimente: distintos ángulos, ópticas, distancias… Solo así se desarrolla un estilo propio. Y sobre todo, que no se olvide de disfrutar: observar las luces, los gestos, imaginar fotos sin cámara. Ah, y un consejo importante: dejar reposar las fotos un par de días antes de editarlas. Si el medio o la banda tiene prisa, se puede seleccionar y entregar lo esencial, pero revisar el archivo con la cabeza fría ayuda a editar con criterio y no desde la euforia del directo.

LOS FAVORITOS DE DAVE

Salas	Sin duda el Antzoki de Bilbao, probablemente porque es la que más he frecuentado, tanto trabajando como asistiendo como público. No es la más cómoda para fotografiar —hay que estar agachado o sentado en las escaleras para no entorpecer la visibilidad del público—, pero tiene un encanto especial. Es una sala con alma.
Festivales	Por cercanía y entorno, el BBK Live. Y por filosofía, actitud y ambiente, el Azkena Rock. Ambos ofrecen experiencias muy diferentes pero igualmente enriquecedoras.
Medios o Publicaciones	Mondosonoro, Efe Eme, Rockzone y por supuesto, Bilbao Indie Music ;)

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ENGLISH VERSION

In the second installment of our Spotlight series, which shines a light on the artists shaping the Spanish music scene, we turn our focus to the man behind the camera: Dave Blanco. A self-described introvert with a background in architecture and a deep-rooted love for live music, Dave has quietly built a striking body of work capturing the pulse of Spain’s independent and underground scenes. His images speak not just of sound, but of space, energy, and emotion — often drawn from the raw intimacy of small venues and the electric unpredictability of live shows. From his early solo ventures into concerts to becoming a regular contributor at Bilbao Indie Music, Dave’s journey is one of quiet persistence and creative evolution. In this candid conversation, he opens up about the tensions between personal vision and public expectation, the undervaluation of music photography in Spain, and the joy of capturing fleeting magic in a single frame. Let’s dive in.

Hi Dave! Could you tell us a bit about who you are and how your journey into music photography began?

Hi, I’m David — a pretty low-key and introspective person, with a constant passion for music. Maybe that’s why I started going to concerts, often on my own, since there weren’t many people around me who were into live music, except for big events. I began bringing a camera as a way to channel that feeling of vulnerability I sometimes experienced being alone in such a socially active environment. These days, I’ve moved past that discomfort and enjoy many shows without a camera, simply as a spectator, fully immersed in the musical experience.

Was there a specific moment, artist, or event that first sparked your interest in photographing music?

I couldn’t point to a specific moment — it’s been more of a gradual process. I’ve always been fascinated by the staging of concerts: the lights, the way the musicians are positioned, the little details in the set design… Since my memory has never been that great, the camera became a tool to preserve what I experienced more accurately than my memory would allow.

Your work spans from live music to architecture and interiors — how do you transition between such different styles and subjects?

Interestingly, architectural photography came first. My background as an architect sparked my interest in imagery. As I gradually started investing in more professional gear, it naturally evolved to meet the demands of live shows. They’re almost opposite disciplines: in architecture, the photographer moves around a still subject under steady lighting. At concerts, it’s the opposite — constant motion and ever-changing lighting, which makes it all the more challenging.

How would you define your visual style today, and in what ways has it shifted or matured over the years?

It’s a question I often ask myself, and I still don’t have a clear answer. Sometimes I go through creative crises and struggle to find a clear direction. I miss that initial stage, when I felt freer and less influenced by trends or what social media algorithms expect. I often feel torn between what I want to express and what the audience expects from me.

Is there a particular photo in your portfolio that holds special meaning to you? What’s the story behind it?

Yes, there’s one image I hold especially dear. It’s not a spectacular photo, nor does it feature a big international band or venue. It’s a vertical, black-and-white shot taken with a pretty modest camera early on. The band was Cordura, and the place was the basement of the Xurrut pizzeria in Gorliz, which I believe is now closed. Anero, the vocalist, is a performer with a unique expressiveness and a visual gift for any photographer. In the photo, he’s shown from the back, cropped at the waist, holding the microphone with the cable wrapped around his hand several times. The bass drum was resting on a concrete block to keep it from sliding. It’s a photo that, without any tricks, perfectly captures the spirit of the underground: raw, authentic, and honest.

Have you had a moment while shooting where everything just “clicked” — the light, the artist, the energy? Tell us about it.

Yes, I experienced it with Dinero, at the Stage Live venue, which personally doesn’t strike me as very photogenic. It was a completely accidental shot, but I instantly knew it had something special. Sean, the vocalist, was at the edge of the stage, encouraging the crowd, and I fired from the side of the pit. Just at that moment, another photographer triggered their flash, directly illuminating Sean’s face. The resulting image shows the singer shouting toward a source of light that seems to come out of nowhere. When I reviewed it on the screen, I found it hard to believe it was real.

You've photographed several artists — is there a concert shoot that really challenged or surprised you?

Yes, one that I clearly remember was Celeste at the Inkestas Rock festival in Sopela, in a tent set up in the town square. The band appeared from the darkness, lit only by red headlamps on their foreheads, like climbers or miners. At first, it was frustrating, but I decided to adapt to their stage play. In the end, the experience allowed me to explore a different visual narrative, and I was satisfied with the result. I learned that even in tough conditions, it’s possible to find a creative solution if you let yourself go with the flow.

What’s your usual process before shooting a gig? Do you go in with a plan or shoot more instinctively?

It depends a lot on the context. If I don’t know the band, I usually research their stage presence through Instagram or YouTube: how they move, how they’re lit, what kind of energy they give off. I also prepare more thoroughly if I know the show will be complex or if I’m accredited by the band itself, since there’s more responsibility. In those cases, I check setlists, characteristic gestures, and study the venue… But if I’m going on my own initiative, I just go with the flow, improvise, and enjoy the live experience without pressure.

How did your collaboration with Bilbao Indie Music begin, and what does your role there typically involve?

It was early on, when I was looking to collaborate with a media outlet that could give me access to more venues and artists. I came across one of their calls on social media, and we met in person. From that meeting, a friendship was born that still lasts today and has led to increasingly ambitious joint projects, always with local and emerging music as the common thread.

Are there any exciting projects or goals you're working toward right now or in the near future?

Yes. For a little over a year now, I’ve been developing a project that, although still in its early stages, excites me a lot. The goal is to give visibility to local bands from Euskadi, although the focus isn’t strictly photographic—still, visuals will play an important role. It’s a multidisciplinary project that I prefer not to reveal too much about until it’s more defined, but it comes from the same spirit I started with: supporting scenes that deserve more attention.

From your perspective, what’s the current landscape of the music scene in Spain like?

I’d describe it as unbalanced. There’s an increasingly noticeable gap: on one hand, national bands that have made the leap to stadiums and large venues surprisingly quickly, and on the other, groups still struggling every weekend to gather a hundred people in a small club. It feels like the festival phenomenon has taken over programming throughout the year, pushing aside the mid-level circuit. Before, stadiums were the domain of international artists who visited the country sporadically. Now, the distances between levels have grown drastically.

What draws you most to the live music scene in Bilbao? Is there a specific energy or vibe that makes it stand out for you?

Bilbao is the perfect size to build a community: it’s not too big, which means that if you stick to a certain style or frequent specific venues, you end up running into familiar faces at several shows throughout the year. I’ve always experienced a very healthy atmosphere: mutual respect, camaraderie, and a natural coexistence between musicians, photographers, and the audience. A good example is Antzoki, a venue without a photo pit or barriers where anyone could get on stage, but there’s an unspoken boundary that everyone respects. That kind of detail says a lot about the local scene.

What’s something unique or unexpected about shooting live music or artists in Spain that outsiders might not realize?

Since I haven’t worked outside the country, I don’t have a real basis for comparison. From my experience, there aren’t major differences attributable to the country itself. The particularities usually depend more on the bands, the venues, or the technical crew than on the geographical context. Perhaps the truly distinctive factor is the human network that forms in each city.

In your experience, what’s touring like in Spain from a photographer’s point of view? Any tips for someone coming from abroad?

I’d say the key lies in preparation. If you’re going to a new venue, it’s wise to research beforehand: stage height, layout of the photo pit, types of lighting, and so on. Platforms like Instagram or videos from previous concerts are very helpful. And after the show, it’s important to resist the temptation to extend the night. While the band is celebrating, you should focus on resting and starting the editing as soon as possible. That quick turnaround can make all the difference for a good delivery. Honestly, I think these guidelines apply to any country.

Do you think music photography is valued enough within the Spanish music industry? Why or why not?

No, honestly. There are exceptions, of course, but in general, photography is still undervalued by many bands. Too often, the phrase “we’ll pay you with exposure” is used—a currency that’s worthless. It’s ironic that a social media shout-out is valued more than the work behind a professional image. There’s a lack of awareness about the value a good photograph has in communicating an artist’s identity.

What are some of the most significant difficulties you've encountered as a music photographer in Spain?

One of the biggest obstacles has been gaining access to certain venues or festivals. The accreditation decision usually falls to the press or communications managers, who prioritize the media’s reach over the quality of the content—whether photographic or written. This creates an invisible ceiling: if you’re not working with a widely circulated outlet (which often already has its own team), it’s very difficult to cover certain events, no matter how specialized or committed you are.

Are there any up-and-coming local artists you’re particularly excited about right now?

Yes, there are two bands I’m especially interested in. The first is Marban, whom I’ve followed and photographed several times. I really connect with their approach: their lyrics, their sound, and the references they draw from — ranging from Arctic Monkeys to Héroes del Silencio — all feel very close to me. The second is Galerna. At first, I didn’t connect with them, but over time I gave them another chance, and their album Viaje a Roma felt like a kind of sung novel, with a very interesting narrative focus. It was one of those cases where something just clicks after a more attentive listen.

Could you name a few Spanish music photographers whose work you admire and think others should check out?

Of course. There are several photographers whose work deeply inspires me. Adrián Morote has a very intimate perspective, capable of capturing something that goes beyond the purely visual. Javier Sierra (Le Petit Patte) fascinates me with the energy and dynamism he conveys; his images seem to pulse, full of life and electricity. Roberto Almendral, especially in his work with Bunbury and in black and white, shows an admirable, almost poetic sensitivity. Aldara Zarraoa (Aldarazn) represents versatility, efficiency, and storytelling. Her photos focus on the essentials, creating atmospheres only she can see. And Nerea (Sutxart), more connected to the underground scenes, is an example of constant evolution: she has expanded her visual language to capture emotions with great depth, even in less conventional contexts.

For new photographers hoping to break into the live music world, what’s one lesson you wish someone had told you early on?

Shoot what’s necessary, but don’t obsess over it. At first, I was too cautious: I’d see a photo on the camera screen and think I had it, but then when I reviewed it at home, it wasn’t what I expected. Later, I went to the opposite extreme and shot way too much. Over time, I found a balance. I’d also tell them to experiment: try different angles, lenses, distances… That’s the only way to develop your own style. And above all, don’t forget to enjoy it: watch the lights, the gestures, imagine shots even without the camera. Oh, and one important tip: let the photos rest for a couple of days before editing. If the media or the band is in a hurry, you can select and deliver the essentials, but reviewing the shots with a clear head helps you edit with good judgment, not caught up in the excitement of the live show.

DAVE'S FAVORITES

Venues	Without a doubt, the Antzoki in Bilbao, probably because it’s the one I’ve visited most, both working and as an audience member. It’s not the most comfortable place to photograph — you have to crouch or sit on the stairs so you don’t block the audience’s view — but it has a special charm. It’s a venue with soul.
Festivals	For proximity and surroundings, BBK Live. And for philosophy, attitude, and atmosphere, Azkena Rock. Both offer very different but equally rewarding experiences.
Publications	Mondosonoro, Efe Eme, Rockzone, and of course, Bilbao Indie Music ;)